アートな写真って結局何なの。

久々にこっちのブログを書くなあ、、、   さて、僕は中学生くらいから西洋美術が好きになり、特にパブロ・ピカソ大好きでした。  

「アヴィニョンの娘」を教科書で観た時の衝撃たるや。

image-101   その時からずっと美術が好きで、ピカソのルーツを辿り、はたまたその先に行って、色々と勉強しました。   その中で「写真ってアートなの?」という全くもって出尽くされた感のある疑問が今僕の頭の中の90%を占めていた時代がありました。   前に目黒にあるコスモスインターナショナルで新山清さんの「朝顔シリーズ」のコンタクトシートを見せて頂いたことがあって、   002 あまりのかっこよさと「あ、ティルマンスでこんな写真あった」という想いと、そこにいた写真の知識の巨人たちに「主観主義」というものをベッヒャー夫妻より以前の写真史から丁寧に説明していただいて、 今更「オレ美容師なんです。」とは言えず、脳みそが飛び散ってしまいそうでした。   しかしながら「写真ってすげーな」という想い、 そしてそこで繰り広げられていたのは、 「写真でできることはマン・レイが全部やっちゃってるから、写真の芸術性とかに悩んだりして写真が撮れなくなったりとか、それこそ『あとの(アートの)祭りだよ。はっはっは」とおしゃっていて、なんか大人の階段を登った気がしてしまいました。   で、僕は結構な数の美術家や写真家の友人がいますが、彼らは「日本では作家としてやっていくのは厳しいよ、芸術をわかる人が少ない、っていうか全然いない」と言うんです。   それはまあすごいわかるなあ、と思うし、でもそう言う人の家に遊びに行って、   有名無名関係なく、画廊とかで買った絵画とか、写真家のオリジナルプリントとか、部屋に飾ってる人に会ったことがあまりないのですね。   結局作り手側が「絵飾ろうよ、食卓が華やかになるから、ほら」とか「写真家のオリジナルプリントって語れるところ本当に多いんだ、だから所有する価値があるんだよ、例えばブラッサイとかさ、、、」と相手選ばず空気を読まず、語りまくってたらなんか変わるんじゃないか、と。   そう、「アートを身近に」しない限りそりゃ生きてはいけないよね。作家は。  

でも「アート」なものってべらぼうに高い(と思われてる)し、何で??って感じですよね。

  例えば images-7 こちら、イブ・クラインという画家のれっきとした「絵画」です。   「カラー・モノクローム」なんて言われておりますが、要は単色で塗った、そういう絵です。  

こちらの絵はなんとサザビーズのオークションで7億円くらいで落札されたとか、、、(確か)

  ま、実際僕はこのあたりのイブクラインやポロックやニューマンが大好きなので、わからなくもないのだけれど、 art15_01 (ジャクソン・ポロック) アートに明るくない方は「キャンバスに一色塗って何億だったらオレ(私)にもできるわ!」と総ツッコミ入れたくなるでしょう。   では現在のアートって一体なんなのでしょう。   それは「方法」から「作家のコンセプト」に注目すべしっていうことに変わった、そういうことです。   いわゆる「コンプチュアル・アート」がそのまま「コンテポラリー・アート(現代美術)」と言える、、のか?多分そうです。   例えばこのイブ・クラインの絵も、そもそもこの顔料を本人が作ったものだし(インターナショナル・クライン・ブルーという名前で今もどこかで買えるらしい)、そもそも単色の絵画ってなかったわけ。   ポロックとか、マーク・ロスコとか、その辺も飛び越えて、「青でいくぜ俺は」という気概。 0d40a5e4a645fc6b96e767d64ac0878e (マーク・ロスコ)   小学生とかで「空の絵描いてこい」って言われて青一色で提出する子供がどれくらいいるでしょう。   きっと雲や太陽や謎の生命体を描きたくなるところでしょう。   そう、「青一色」の絵なんかなかった。だからこそみんなは驚く。誰もやったことのないことをやったわけだから。   で、作家自身がそのコンセプトを(例え後付けだとしても)語れるわけですね。   で、この方はもう亡くなっている。もうこの絵画は複製できない。たった一色の絵というある意味アートの歴史の中でも極めて「事件」な作品。   そうなると、青が綺麗とか塗り方がどうとか、そういうことじゃなくて、イブ・クラインがこの絵を仕上げるに至った時代的背景、アートの歴史の中での重要性、そして同じものがないという希少性、そこに値段がつくわけですね。   そう考えたら、お金をたくさん持っているアート収集家が「欲しい」と思うのも納得できますよね。僕は欲しいです。今は買えないけど。   で、前置きが長くなりました。写真ですね。   そもそも写真っていくらでも複製できるじゃん!っていうことなのですが、   まず「売る写真」にはエディションというのがつけられます。シリアルナンバー的な。例えば「この写真はエディション5ね。」と決まったら、5枚しかプリントできません。   なぜなら同じものが500枚流通してしまったらその1枚の価値はなくなり、値段がつかなくなるからです。   「でも絵と違って写真は撮るだけ。そんな高い値段がつくのはよくわからないなあ、、」   うん、じゃあこの写真を見て欲しい。 CgFBJpPUAAEzMs7 ライアン・マッギンリーの、正真正銘「写真」です。  

多分これって、絵で表現した方が遥かに簡単にできそうな気がしませんか?

  雪山のでかい氷柱に裸の人間が登って行ってるんですよ。とんでもないアイデアでとんでもなく作品のためにリソースを割いている。   しかしすごいですねえ。人が写ってなかったらまあよくある壮大な自然の写真なのに、ちっさい人が写っているだけで見方が全然変わる。   例えばこの写真のオリジナルプリントが世界に1枚しかなくて、撮った人はアメリカで最も重要な写真家であるライアン。この写真を飾る部屋を想像してみてください。最高でしょ。   希少価値があるから値段が上がる。まさにキャピタリズムの最たるものですね。それを小馬鹿にしてアートにしたのがアンディ・ウォーホルやヨーゼフ・ボイスですが、またこの話は長くなるので置いておいて、、、   そして最後に紹介したいのが、

リチャード・プリンスです。こんな人。

met museum Richard Prince Untitled cowboy ちなみにこの写真は、タバコのマルボロの広告を写真に撮って、それの文字だけ消して作品として発表したわけなんですが。   いや、パクリやん。てなりそうなもんですが。   まあ実際に訴えられて年中裁判やっているような方ですが。   まず考えとして、ビルとかにかけてあるでっかいビルボードとかのポスターってあるじゃないですか。   で、空を見たくて見上げたらそれが目に入ることってありますよね。見たくないのに。   こっちは見たくないのに勝手に目に入ってきたものに著作権なんかあるのかよっていう、そういう話で。   つまり写真のうまさとかそういう話じゃなくて、著作権っていうものとか、既存のイメージを操作することでアートにしちゃう、しかもそれはアンディのようなシルクスクリーンではなく、写真で。   だからめちゃくちゃ頭良いのですね。今でいう「ネットを荒らす」みたいな、炎上的な感じ?かなあ?   そうやって「資本主義とアート」みたいなものに一石を投じた問題提起そのもの。そういう写真なんです。   それってさっきの青一色のイブ・クラインと同じ。アート収集家は欲しがりますよね。  

その作品自体が「事件」なわけだから。

  そしてこの手法って音楽のサンプリングってことだし、シュミレーショニズムっていう話なんですが、   もう書く体力と脳がなくなってしまったのでやめておきます笑   では。        

新田的考察 指揮者が違うと音楽はどう変わるのか

こんにちは。

 

 

先週クラシックのコンサートに出かけまして、

 

 

というか、意外にも僕家ではほぼクラシックばかり聴いていまして、

 

 

で、クラシック聴きに行くときって、

 

 

演目の曲を聴き込んで、ある程度予習というか、

 

 

お勉強していかないとおもしろさが半減するんです。

 

 

オケの歴史とか、そういうのも。

 

 

で、ちょうどそんな話を撮影の現場でしてたときに、

 

 

モデルさんから、

 

 

「指揮者って、いないとダメなの??」

 

 

みたいな話になって、

 

 

僕も好きになるまで、指揮者の意味ってよくわからなかったのですが、

 

 

同じオケで同じ曲目でも、

 

 

指揮者によって出る音はまったく変わってしまいます。

 

 

よく比べられる名指揮者で、

 

 

カラヤンとレナード・バーンスタインという人がいます。

 

 

カラヤンはオーストリア人で、「伝統」と顔に書いてあるような人で、

 

 

指揮をしているときずーっと目を瞑っていることで有名です。

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バーンスタインはアメリカ人で、話もおもしろくて広く愛された指揮者です。

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カラヤンは堅物で、バーンスタインは温和、

 

 

超超最高の名指揮者お二人ですが、

 

 

超ざっくりいうとそんな感じです。

 

 

楽団というのは、超一流の演奏家が集まっているわけです。(もちろん中にはそのレベルの到達していない人もいます)

 

 

その中でカラヤンは、

 

 

他人の意見なんてまったく聞かず、自分の求める音とオケが出す音が違っていたら、

 

 

何があろうとオケが悪い。何度も何度もやり直させるそうです。

 

 

それに対してバーンスタインは、愛称がレニーというので、

 

 

楽団のメンバーにも「レニー」と呼ばせて、

 

 

とにかく僕らは同じ目標に向かっていくわけだから、平等だという、

 

 

ある種「グッド・アメリカン」なタイプであったそうです。

 

 

ともすると「レニー」の方についていきたい、と考える人は多いのではないでしょうか?

 

 

しかし僕は、

 

 

上に立つ人は「カラヤン」であるべきと思うのです。

 

 

レニーは練習中も、楽員に意見を求めたりするようです。

 

 

「ここはこう思うんだけど、どうかな?」

 

 

そんなことをしているうちに、

 

 

勘違いする人も当然出てくるのです。

 

 

「レニー、ここは違うんじゃないのか」と、かるーくマエストロに意見するのです。

 

 

しかし、やはり指揮者は「マエストロ」なわけで、

 

 

「ディレクション(方向性)」はしっかり示すべきで、

 

 

その部分から意見を求め出すと、

 

 

調子に乗ってしまうものも出てきてしまうのですね。

 

 

もちろんその平等主義がいい方向に働けば、

 

 

素晴らしい音楽が奏でられることになりますし、

 

 

実際バーンスタイン指揮のCDは何枚も持っているし、

 

 

大好きです。

 

 

しかしうまくいかないと音は荒っぽくなり、

 

 

統一性がなくなってくる。

 

 

一方カラヤンは人の意見なんかお構いなし笑

 

 

練習の段階から、

 

 

「君はこうやってくれ」「君たちは今はチェロの音を聴いててくれ」

 

 

とはっきり言うそうです。

 

 

そうすることで「ディレクション(方向性)」を定めていくわけで、

 

 

音がスッと合っていくのだそうです。

 

 

レニーは「天才タイプ」だったようで、

 

 

そういう細かい仕込みはほとんどしなかったようですね。

 

 

もちろんお互いプロだから、リスペクトし合って、、、みたいな、そう意識もあったのでしょうけども。

 

 

なのでレニーの方はたまに100点、たまに60点とか、平均以下を出してしまうこともあったはず。

 

 

カラヤンは常に85点以上。「ぶれない」自分の音楽にオケをバッキバキに縛るので、、笑

 

 

僕らの仕事も、というか、わりとほとんどのことにいえると思いますが、

 

 

なんかこう、横の繋がりみたいの、「美しい」という風潮ありますが、

 

 

それは横一線に並んだ人が「超超超プロフェッショナル」なら成り立つけど、

 

 

やっぱりそこに届いていない人、技術の面でも、メンタルの面でも、

 

 

そういう人にも「君はどう考える?」みたいな意見を上の人が求めたって、

 

 

「しらねーよ俺に聞かないで!」ってなるのは至極当然でしょう笑

 

 

曲の解釈とか、棒の振り方とか、いろいろありますが、

 

 

本番までにどういう「ディレクション(方向性)」を提示して完成させていくか、

 

 

指揮者による違いはそこが一つ大きいと思います。

 

 

そりゃ、出る音も違いますでしょ。

 

 

チームをつくって作品を作っていく、

 

 

お店をつくってお客様をお迎えする。

 

 

そういうとき、

 

 

どうやって「ディレクション(方向性)」を皆に提示できるのか。

 

 

そんなことを考えながら、

 

 

シューベルトの「未完成」を聴いていたら、寝てました。

 

 

8000円の心地よい眠りでした、、、

 

 

Chao!15,6,30,hitomi-6

 

 

 

 

 

 

 

 

 

最近の新田メイク チーク編

おはようございます。

 

 

昨日衝撃的なぎっくり腰をやってしまって、

 

 

腰が痛すぎて座れないので立ちながらメシを食ってる新田です。

 

 

さて、

 

 

わたくしの最近のメイク事情(チーク編)ですが、、

 

15,4,24,junko-37 15,5,7,narumi-33 15,5,6,yoyoma-14 15,5,5,mayu-14

 

なんか、、

 

 

例に出したモデルさんが豪華ですね笑

 

 

arガールにearth music&ecologyに、、

 

 

ま、いっか。みんなありがとう!

 

 

ちなみに上から3番目の娘は、

 

 

今月号のarのヘア企画のトップにばしっと載っているようなので、チェケラしてみてください。

 

 

さて最近は、

 

 

「ダブルチーク」「トリプルチーク」

 

 

で目指すは、

 

 

「シャワー浴びたあと紅潮した感じチーク」

 

 

 

 

まずは、

 

3137092_wl

ヴィセのクリームチーク。(まるって囲ってあるとこ、折れずに最後まで使えた人がいたら友達になろう)

 

これを涙袋から頬骨にかけて指かスポンジでぽんぽんぽん、、

 

 

そして、

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クリームチークを入れた幅をオーバーラップするように筆でまるーくまるーく上昇ラインを描いていきます。

 

 

これで「ダブルチーク」完成。

 

 

では「トリプルチーク」は??

 

 

実は、

 

 

ファンデーションを塗る前に、

 

 

クリームチークをうっすら塗っておきます。

 

 

そんだけ笑

 

 

内側からのじわっと血色が滲む発色と、

 

 

外側のパールが入った発色。

 

 

今はこんな感じが可愛いかなあ。

 

 

よく、

 

 

「照明とかでチークが飛んでしまうので、チークはたっぷり入れた方がいい」

 

 

なんて定説のように言いますが、

 

 

照明に合わせてチーク入れるとかめっちゃむずいよね。。笑

 

 

だったら照明を調整してくれ!笑

 

 

というわけで、整形外科へ!

 

 

Chao!

真ん中

今、仙台での講習を終え、

朝を迎え早々に新幹線に乗り込み、

お土産屋さんの試食のずんだ餅を実食なみに食べ、

今帰路に着いている。

ここ最近、都内地方問わず、

色々な場所でセミナーをお願いされることが多くなってきて、

僕を頼ってくれる人がいて、

僕を売り込んでくれる人がいて、

僕を買ってくれる人がいる。

そこにはひたすらの感謝と、

さながら阪神の助っ人外国人選手のような、

必ず結果を出さなければえらい野次に次ぐ野次で野次られるというプレッシャー。

その2つを同時に内包している。

ここで僕は「真ん中」ということについて考える。

僕は常々思うのだが、

漢字としては

「間ん中」

が意味としては合うんじゃないか。

なんて思っている。

あいだのなか。あいだの中心。まんなか。

「真ん中」

まことのなか。まことの中心。まんなか。

まあこれはともかく。

なんでこんなことを思ったかというと、

僕は今年齢が31歳で、

セミナーをやらせてもらったりすると、

僕よりも年上の方も数多く受講して頂いていて、

なんだか恐縮だなあと多少萎縮することもある。

ただ僕は他の人より一つのことにそれなりの期間はまっていて、

その結果「人に教える」ということができているので、

年齢やキャリアのことなど考えなくてもよいのかもしれないが。

先輩には後輩に対する役目があるように、

後輩には先輩に対するお役目があるのだ。

「先輩」というのは、後輩に対して「自ら進んできた歴史」で語り、

「自らの背中」で語る。

そうして「教えて」「育てる」。

教育。

もちろん食事を奢ることも、

「礼儀作法」を教え、「社会人」として育てる。

そんな意味があるはずで。

じゃあ後輩のお役目とは、

必死の形相で階段を駆け上がり、

その悠然とした正面切った「顔」で諸先輩方を大いに刺激することだと思う。

追いついちゃうよ?

抜いちゃうよ?

と。

言って聞かせて褒めてあげる。

やってみせて悔しがらせる。

僕は常にこういった関係が一番刺激的で、

未来に向かって進撃するエネルギーを常に内包できる同胞だと思う。

ただ常に人はこのどちらかだけ、

ということはなく、

常にどちらにもなるのだ。

あの人から見ればこの人は後輩だけど、

その人から見ればあの人は先輩。

相対性、というやつか。

ただこの関係性に、

文字通り「間ん中」に挟まって苦しむ人もいるだろう。

でも間違っていけない。

間違う。

「間」は「違う」。

真。まこと。

僕もみんなも常に「まことのちゅうしん」にいるのだ。

物事の真の中心にいるのだ。

常に自分が真ん中で、

色んなもののバランスがとれている。

さて今日も大いに背中で語り、

大いに焦らせますか。尊敬の念を最大限に最大化して。

だらだらと駄文を連ねてしまいました。

ピリオド。

summer of WHITE part2

kaede-1 kaede-2

summer of WHITE part2です。

 

色味と逆光にこだわりましたヨ

 

さて、いよいよ3日後、

 

ナプラ大宮での可愛い髪型研究会vol7です!

 

もうセミナーも7回目、、、

 

サロン様におじゃましての講習も入れたらこの1年で20回以上やらせて頂きました。

 

とてもありがたく、、、

 

ただいつまで経ってもなかなか慣れるものではなく、

 

3日前くらいから猛烈に胃が痛くなります。

猛烈に気合いが入ります。

 

なんて言うことをぽろっと誰かに話したりすると、

 

「君が表現したいもの、見せたいものをやればいいじゃん。」

 

みたいに言って頂くことも多いのですが、

 

僕はそれが許されるのは「巨匠」だけだと思っています。

 

見せたいものをばーんと見せてどやっっ!って、

 

僕みたいな一般的にも業界的にもまだまだ知名度も人気もないヤツがやっちゃだめ。

 

そんなスタンスでやってたら7回目まで続くわけがないです。

 

とはいえこんな僕ですが1年に100回ペースで作品撮りをしていく中で、

 

気づけたこと、

 

必要だと感じたこと、

 

逆にここは省いていいじゃんて思えたこと、

 

そして何より、

 

楽しむこと、

 

なるべく鮮度の高いものをお伝えしたいと思っています。

 

そして受講して頂いた皆様が、

 

サロンに持ってかえるだけでなく、

 

その日のうちにサロンに持ってかえってチンして温め直してもう一回食べたくなるくらい、

 

価値のあるセミナーにするため、

 

今なお内容を練っております。

 

ヤバいハードル上げちった

皆様お楽しみに!

 

Chao!